Nejasné důvody, proč některé filmy milujeme a jiné těžko tolerujeme

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Naposledy změněno: 2023-12-17 03:50

Jemnosti střihu, kamerové techniky a další triky, které vám umožní cítit atmosféru.

Nejčastěji se při diskuzi o kině mluví o zápletce a herectví. To jsou samozřejmě důležité součásti každého filmu. Stává se ale, že nemůžete odtrhnout oči od obrazu, ačkoliv se akce vyvíjí velmi pomalu a další příběh navzdory mnoha událostem rychle omrzí. Některým autorům se daří přimět diváka, aby věřil v ty nejfantastičtější obraty, jiní i reálné situace dělají jako hračky. A je hezké sledovat některé kazety, zatímco jiné jsou obtížné.

Jde o to, že kromě děje a herců existuje mnoho zajímavých technik, kterými režiséři pomáhají divákovi cítit akci a užít si dění na plátně. Tyto jemnosti si nemusíme ani všimnout, ale přesto výrazně ovlivňují vnímání obrazu.

Barevné spektrum

První věc, kterou je třeba si všimnout, je, že barvy ve filmech často nejsou vůbec stejné jako ve skutečnosti. Může to být zcela zřejmé (například pokud je obrázek černobílý), nebo si to hned neuvědomíte. Ale to není náhoda.

Vytváření atmosféry

Pomocí barev můžete lépe zprostředkovat atmosféru dění, navodit divákovi náladu a dokonce ukázat pocity samotných postav.

Vezměte si jako příklad populární franšízu X-Men. V hlavní sérii filmů se jasný a bohatý obraz podobá komiksu. A oproti nim v noiru "Logan", kde se mluví o stáří a únavě hrdiny, jsou zvoleny bledší tóny.

Záběr z filmu "X-Men: Apocalypse"

Záběr z filmu "Logan"

Ve filmu "Mad Max: Fury Road" se většina děje odehrává v horké pouštní oblasti. Je logické, že snímek byl natočen ve žluto-oranžových odstínech, ze kterých cítíte spalující slunce a sucho.

Pro přehlednost můžete vzít rám a změnit barevné schéma. Okamžitě se bude zdát, že se ochladilo.

Záběr z filmu "Mad Max: Fury Road"

Stejný rám, ale ve studených barvách

Pro vytvoření kontrastního obrazu jsou moderní trháky a obecně masová kinematografie více modré a oranžové.

Ale slavný Wes Anderson miluje jemně narůžovělou paletu. Dává divákovi pocit starého romantického filmu. A vše, co se děje, je vnímáno klidněji a snadněji.

Když chtějí vytvořit atmosféru budoucnosti a fantazie, často se také obracejí k modrému rozsahu. A milují především neonové barvy, které jsou v hlavě diváka pevně spojeny s kyberpunkem a technologiemi.

Netřeba dodávat, že tvůrci hororových filmů preferují tmavé barvy. Důvodů je několik. Samozřejmě je to částečně způsob čerpání atmosféry. Mnoho lidí se už tmy bojí a v hororech se v ní skrývají i příšery.

Tmavý obrázek navíc umožňuje mírně skrýt nedokonalosti grafiky nebo make-upu a ušetřit na výrobě. Je pravda, že v tom je nebezpečí: pokud rám příliš ztmavíte, divák prostě nemusí vidět, co se děje na obrazovce, zejména ve špatném kině nebo na staré televizi. Tak tomu bylo například ve filmu Slenderman z roku 2018.

I když někteří původní režiséři dokážou hrát kontrastně. Například Ari Astaire ve filmu Slunovrat ukázal typickou atmosféru hororového filmu: hrdinové se ocitnou v izolované vesnici, kde se dějí hrozné věci.

Ale zároveň je obraz velmi světlý, nejsou v něm téměř žádné tmavé scény a oblečení hrdinů je sněhově bílé. A o to je to děsivější, protože se před hrůzou není kam schovat.

Oddělování částí pozemku

Jeden film může mít několik různých barevných filtrů. Používají se k přehlednějšímu oddělení dějů. A se správným talentem tento přístup pomáhá rozjasnit obraz.

Matrix je skvělým příkladem. Logo této pásky bylo vytvořeno se zelenými kódovými symboly, označujícími program, ve kterém lidé žijí. Proto bylo vše, co se děje ve virtuálním světě, natáčeno přes nazelenalý filtr. A skutečné události jsou zobrazeny modře.

Scéna z filmu "Matrix", akce ve virtuálním světě

Scéna z filmu "Matrix", akce v reálném životě

A teprve na samém konci třetího dílu, kdy lidé a stroje uzavřeli mírovou dohodu, se v rámečku objevují zároveň čistě modré a zelené barvy.

V Počátku Christophera Nolana se postavy přesouvají ze skutečného světa do spánku, poté do spánku ve spánku a tak dále. Aby byly „vrstvy“zřetelněji odděleny, zvolil režisér pro každou z nich vlastní barevné schéma.

Záběr z filmu "Počátek", první sen

Záběr z filmu "Počátek", druhý sen

Záběr z filmu "Počátek", třetí sen

Na první úrovni spánku je vše natočeno v modré paletě, druhá je žlutá, třetí bílá. A teprve v posledním snu se všechny odstíny znovu spojí, jako ve skutečném světě.

V Blade Runner 2049 od Denise Villeneuvea různé barvy odrážely jak umístění, tak vnitřní stav hlavního hrdiny.

Záběr z filmu "Blade Runner 2049"

Záběr z filmu "Blade Runner 2049"

Záběr z filmu "Blade Runner 2049"

Záběr z filmu "Blade Runner 2049"

Vše začíná tím, že se postava Ryana Goslinga toulá v mlze, poté prochází horkou oranžovou pouští, neonovým futurismem a noční záplavou. A příběh končí na sněhově bílém pozadí, odrážejícím klid a očistu.

Odmítnutí barvy

Kdysi byly všechny filmy černobílé. Jednoduše proto, že jinak střílet neuměli a rámečky bylo možné barvit pouze ručně. Pak přišly barevné filmy a kinematografie se stala mnohem realističtější.

Černobílá fotografie ale zároveň není úplně minulostí. K uměleckým účelům slouží dodnes. Například k vymezení různých světů nebo dějových linií.

Takže v Čarodějovi ze země Oz v roce 1939 se barva objeví, když Dolly vstoupí do pohádkového světa.

Ještě z filmu "Čaroděj ze země Oz", obyčejný svět

Ještě z filmu "Čaroděj ze země Oz", země víl

Ve "Stalkerovi" od Andreje Tarkovského chybí barvy i v běžném životě hrdinů. A když se postavy dostanou do mystické „Zóny“, svět se rozjasní – právě zde se lidé skutečně odhalují.

Nebo všichni stejný Christopher Nolan na pásce "Pamatuj" ukázal jednu část akce v přímém pořadí a druhou - naopak. Polovina filmu je proto natočena barevně a druhá černobíle.

Ještě z filmu "Pamatuj", přímá objednávka

Ještě z filmu "Pamatuj", obrácené pořadí

Černobílý obrázek navíc umožňuje živěji zvýraznit určité detaily tím, že k nim jednoduše přidáte barvu. Poprvé to udělal Sergej Ejzenštejn, když ručně namaloval vlajku na bitevní lodi Potěmkin z roku 1925.

Následně byla tato technika použita ve zcela jiných žánrech. V Schindlerově seznamu Stevena Spielberga se vzhled dívky v červeném kabátě stává jedním z nejemotivnějších momentů.

A i v komiksovém filmu Sin City je tento přístup použit opakovaně, s důrazem na červenou rtěnku, zářivé oči nebo krev.

Konstrukce rámu

Pravidlo třetin

Jeden ze základních principů filmu i fotografie. To je něco jako zjednodušené pravidlo „zlatého řezu“.

Je to jednoduché: při fotografování je obrazovka rozdělena na tři části vertikálně a horizontálně. Nejdůležitější prvky pro pozemek by měly být umístěny na těchto liniích a také na jejich křižovatce. To divákovi usnadní zaostření na požadované body.

Umístěte do čtverce

Pokud podmíněně rozdělíte snímek na polovinu nebo na čtyři stejné části, můžete divákovi přimět, aby beze slov pochopil, jaké místo postava v příběhu zaujímá.

Tato technika je nejzřetelněji vidět ve filmu "Drive" Nicholas Winding Refn. Pokud je například v levém horním rohu zobrazena tvář hlavní postavy a v dalším snímku se na stejném místě objeví jiná postava, pak je to náznak, že postavy budou soupeři.

Kromě toho může stejný Refn vyprávět dva příběhy paralelně: v horní a dolní části obrazovky nebo v levé a pravé polovině. Divák si tento pohyb možná nevšimne, ale přesto bude vnímání postav ucelenější. Navíc je to prostě nádhera.

Symetrie

Další psychologická a estetická technika zároveň. Záběry, kde levá polovina odráží pravou, jsou často dělané jen pro krásu.

Někdy ale předávají opozici postav. A pokud se hrdina podívá do zrcadla, ukáže jeho temnou stránku nebo rozdíl mezi sny a realitou. Zkrátka jakákoliv alegorie, která se dá vymyslet k zamyšlení.

Záběr z filmu "2001: Vesmírná odysea"

Záběr z filmu "The Shining"

Záběr z filmu "Joker".

holandský roh

Aby ukázali nestabilitu hlavního hrdiny, jeho pochybnosti o něčem nebo problémy s pamětí, používají velmi vizuální techniku. „Dutch angle“znamená, že kamera nefotí rovně, ale nakloněná. Mnoho příkladů tohoto přístupu lze nalézt ve filmech Dannyho Boyla.

Pro diváka je neobvyklé dívat se na obraz z úhlu, lépe tak vnímá nepříjemný stav postavy.

Zde je však důležité dodržet míru. Například katastrofální film „Battlefield: Earth“byl natočen celý pod úhlem. Jenže za hodinu a půl bude diváka s největší pravděpodobností jen bolet za krkem.

Střelba zdola i shora

Další z jednoduchých, ale účinných technik, která vám umožní zprostředkovat sebecítění hrdinů. Můžete tak například ukázat, kdo je pánem situace. A pak si hned vzpomenu na kazety Quentina Tarantina, kde se postavy dívají dolů do kufru.

Záběr z filmu "Od soumraku do úsvitu"

Záběr z filmu "Reservoir Dogs"

A střelba shora ve vás vyvolává pocit, že se hrdina cítí nejistě. Jak vtipně to zahráli ve slavné scéně z filmu „O čem muži mluví“, kde se postava Kamila Larina jako dítě vymlouvá vrátnému v drahé restauraci:

Dialog a pohyb

Akce na pozadí

Technika, která se nejčastěji používá v komedii nebo hororu. V popředí se neděje nic zajímavého. A to nejdůležitější se odehrává na pozadí, které lze ztmavit nebo rozmazat.

Například hlavní hrdina filmu "Zombie Called Sean" jde do obchodu. Všechno je pro něj velmi všední. A v pozadí je skutečná apokalypsa:

V závislosti na žánru a podání to může vytvořit buď velmi vtipný efekt, nebo napětí – často se tak hlavní křiklouni skrývají v hororech.

Rozhovory v pohybu

Nejběžnějším typem dialogu ve filmech je, že postavy sedí a povídají si. Fotoaparát v tomto případě tradičně přepíná mezi obličeji.

Pokud ale scéna trvá příliš dlouho, pak diváka omrzí neustálé opakování stejných úhlů. Dobří režiséři proto prostředí takových scén buď doplňují, nebo mění.

Takže ve filmech Quentina Tarantina postavy mluví téměř neustále. Mistr vás ale nenechá nudit, protože dialogy mohou probíhat i za jízdy. Díky neustálému střídání pozadí nepůsobí akce monotónně.

A i když jsou postavy ve stejné místnosti, kamera se jen tak nepřepne. Může se kolem nich pohybovat a vytvářet efekt přítomnosti a dokonce i účasti v rozhovoru. Téměř všechny postavy jsou vidět bez zbytečných úprav.

Nicholas Winding Refn zvládá v jednoduché konverzaci využít již zmíněnou hru s barvou a odrazem. V Drive se zdá, že první dialog protagonistů vypadá velmi jednoduše.

Ale zároveň je postava Ryana Goslinga vždy na modrém pozadí (toto barevné schéma ho provází celým filmem). A hrdinka Carey Mulligan stojí u oranžových zdí. A to ukazuje, že je něco rozděluje, i když jsou blízko.

Pravidlo 180 stupňů

Při natáčení je ještě jeden důležitý bod. Pokud při změně úhlů pohnete kamerou o více než 180 stupňů, bude divák zmatený. Když hrdina například běží, bude to vypadat, že se otočil a pohybuje se opačným směrem.

A to je stejně důležité i během dialogů. Aby nevznikl dojem, že se všichni v záběru prudce pohnuli, volí operátor a režisér určitou hranici, za kterou by kamera neměla jít.

Je zvláštní, že úmyslné porušení tohoto pravidla může být použito jen k tomu, aby zmátlo diváka, aby ukázalo zmatení hrdiny. A s patřičnou fantazií autoři vytvářejí nevšednější scény. Například Glumův rozhovor se sebou samým. Postava je jednoduše zobrazena z různých stran, ale to vytváří efekt, že mluví dva a vedou dialog.

Funkce instalace

Střih vám umožní zdynamizovat akci filmu, „přeskočit“nudné okamžiky života a umožní vám podívat se na dění z různých úhlů pohledu. Jeho nejjednodušší formou je vyprávění. To znamená, že události v rámci probíhají jedna po druhé. Nejjasněji to bylo vysvětleno v The Man from Boulevard des Capucines.

Ale můžete ukázat události filmu jiným způsobem, a proto používají různé techniky.

Paralelní instalace

Na rozdíl od sekvenčního vyprávění někdy autoři chtějí, aby publikum vidělo, co se děje ve stejnou dobu na různých místech. A pak se režiséři obrací k paralelnímu střihu.

Díky tomu je děj napínavější. Ale musíte být opatrní. Pokud totiž postupně ukážete scény, které se odehrávají ve stejnou dobu, můžete mít dojem, že každá z nich trvá déle.

Pozoruhodným příkladem neúspěšné paralelní editace je „Furious-6“. Hrdinové se snaží uniknout v letadle, které jede po ranveji, auta je pronásledují a uvnitř parníku se odehrává boj.

Autoři předvádějí tolik událostí najednou, že se na obrazovce zdá, že letadlo minimálně 15 minut zrychluje. Netřeba dodávat, že to zabíjí veškerou realističnost situace?

Na druhou stranu Christopher Nolan je široce považován za mistra paralelního střihu. Režisér ho používá v mnoha svých dílech, ale Počátek je nejlepším příkladem. Události na různých úrovních spánku se vyskytují současně a různými rychlostmi (v hlubším spánku se čas pohybuje pomaleji).

Zde se k akci přidává již zmíněná separace barev a divák se v dění nemotá, ale uvědomuje si celou globálnost dění.

Mimochodem, je zajímavé, že ve filmu "Dunkirk" je Nolan s touto technikou ještě vtipnější. Paralelně ukazuje děje odehrávající se na zemi, ve vodě a ve vzduchu. Ve skutečnosti je chronologie úplně jiná a vše se sblíží až ve finále.

Flashbacky a Flash Forwardy

Občas autoři do lineárního příběhu hrdinů vkládají své vzpomínky z minulosti – flashbacky. Mohou to být velmi krátké záblesky několika sekund nebo celé dějové linie.

Velkým fanouškem takových momentů je Jean-Marc Vallee. Zdánlivě poklidným scénám tak dodává napětí. Nebo dává najevo, že postava někoho klame: řekne jednu věc, ale v jeho vzpomínkách se objeví něco úplně jiného.

Není těžké uhodnout, že flashforwardy jsou stejné příběhy, ale z budoucnosti. Používají se méně často, obvykle ve sci-fi nebo mystických příbězích. Na takové technice dokonce postavili celou sérii, kde při určitém zatmění každý viděl nějaký moment ze své budoucnosti.

A dále v průběhu děje se všichni snaží zjistit důvody toho, co se stalo, a pochopit význam svých vizí. Série byla pojmenována takto: Flashforward (v ruském překladu - "Pamatuj, co se stane"). Pravda, vydržel jen jednu sezónu.

Jump-cut

Tato technika již platí pro lineární střih. Znamená to ostrý přechod mezi snímky. Používají to k úplně jiným účelům.

V Little Shop of Horrors Franka Oze taková montáž pomáhá ukázat dlouhé a nudné plynutí času.

Ale Lars von Trier, který ve svých dílech často používá i jump-cut, tímto způsobem přenáší emoční stres a psychickou nestabilitu postav. Při takovémto natáčení je snímek „nervóznější“. Na pásce „Idioti“je toto velmi vhodné:

Úprava tvaru a zvuku

Aby byly různé události zobrazené ve filmu vnímány jako vzájemné pokračování, autoři často využívají vizuální náhody. To znamená, že obrysy nějakého objektu v jednom snímku se opakují v dalším. A někdy to může vypadat velmi vtipně.

Stejně tak můžete diváka „zaháknout“zvukem. Křik pokračuje s hvizdem parníku a industriální dunění vystřídá hudba stejného tempa. Nebo se syčení poškozené trubky změní v praskání opékajícího se masa.

Kromě toho může být zvuk mírně před nebo pozadu za tím, co je zobrazeno na obrazovce. To se provádí, aby byly scény více propojené. To znamená, že divák stále slyší řeč a šustění z předchozího snímku, ale akce se již změnila. Nebo naopak.

Nedostatek instalace

Jde o odvážný krok: režiséři natáčejí dlouhé scény zcela bez střihu nebo to různě skrývají.

Díky tomu je dění na obrazovce realističtější, dává divákovi pocit tempa samotného příběhu. Ale samozřejmě tento přístup vyžaduje mnohem více zkoušení a investic. Koneckonců, během zpracování můžete vystřihnout neúspěšné maličkosti.

Takže Joe Wright ve filmu "Atonement" ukázal pětiminutovou scénu s evakuací vojáků z Dunkerque během druhé světové války. Do davové scény se zapojilo 1 300 lidí, zařízení se pohybovalo v záběru a v pozadí došlo k výbuchům. Je to tento přístup, který vyjadřuje veškerou ponurost a chaos toho, co se děje.

Moderní technologie umožňují přesněji zvládnout instalaci. A pomohlo to Alejandru Gonzalezi Iñarritovi zastřelit Birdmana. V něm si ani hned nevšimnete, že je celá akce zobrazena v jednom souvislém snímku.

Ve skutečnosti tam montáž je, ale skrytá. Splice jsou vytvořeny, když kamera prochází nějakým tmavým prvkem.

A "Ruská archa" od Alexandra Sokurova vypadá ještě pevněji. Děj se odehrává v Ermitáži a režisér dostal jeden den na natáčení. Proto se rozhodl natočit snímek bez lepení.

Trvalo to sedm měsíců zkoušek s 800 komparsisty. Výsledkem bylo, že od třetího záběru natočili celý film o délce 1 hodiny a 27 minut.

Ve skutečnosti je takových jemností mnohem více. Mnohé z nich už ale vyžadují hluboké znalosti režie a kinematografie. To jsou jen jednoduché příklady, které lze vidět v mnoha filmech. A při prohlížení dalšího obrázku vás jistě praští do očí „holandský roh“nebo dlouhý rámeček bez úprav. To ale nezničí kouzlo kinematografie, ale naopak učiní sledování ještě zajímavějším.